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Le grand format photographique dans l’exposition « Signs of Life » (1976)

Olivier Lugon

études photographiques n°25 mai 2010

Depuis les années 1980, l’agrandissement des formats en photographie a été fortement associé à l’accession du médium à la reconnaissance artistique et à une forme contemporaine du tableau. Cette identification de la grande taille à un supplément d’art n’est pas sans paradoxe. Pendant un demi-siècle, le tirage géant a précisément représenté le contraire de l’art – une image faite pour la communication de masse, aussi immédiate qu’éphémère, moins une œuvre d’auteur qu’une production collective sans valeur marchande ou symbolique propre. À la fin des années 1970 encore, quand certains artistes, photographes ou architectes recommencent à s’intéresser à lui, c’est précisément comme émanation des mass media, de la publicité ou de la décoration commerciale, avant que l’entrée même de ces formes médiatiques dans le champ artistique ne les transforme en attributs du tableau. L’exposition “Signs of Life” à Washington en 1976, collaboration des architectes Robert Venturi, Denise Scott Brown et Steven Izenour avec le photographe Stephen Shore, constitue un exemple significatif d’un tel déplacement.

Since the 1980s, larger photographic formats have been closely associated with the artistic recognition of photography and have been equated with a contemporary form of the painting, or ‘tableau.’ This identification of large sizes with additional artistic value is paradoxical. For a half-century, oversize prints had epitomized the antithesis of art – an image designed for mass communication, as ephemeral as it was instantaneous, less the work of an author than a collective production without commercial or symbolic value of its own. It was still as outgrowths of the mass media, advertising, or commercial decoration that some artists, photographers, or architects took new interest in them in the late 1970s, before the introduction of these media-related forms into the field of art translated their characteristics into attributes of the painting. The exhibition Signs of Life, held in Washington in 1976, organized collaboratively by the architects Robert Venturi, Denise Scott Brown, Steven Izenour, and the photographer Stephen Shore, provides a significant example of this shift.

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Mikael Levin

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CRISTINA’S HISTORY
Mikael Levin
Textes de Jonathan Boyarin, Jean-François Chevrier et Carlos Schwarz
Le Point Du Jour

A Jewish Itinirary from Poland to Africa

I met Cristina da Silva-Schwarc in Guinea-Bissau in 2003. Four generations back our ancestor, Isuchaar Szwarc,
a renowned Jewish scholar, lived in Zgierz, in central Poland. In his lifetime Isuchaar saw his small medieval town
transformed by industrialization. He died as the Nazis exterminated the Jewish communities. Isuchaar’s eldest son,
Samuel, settled in Lisbon. A successful mining engineer also known for his scholarship, Samuel lived in Portugal
during the waning decades of its colonial epoch. Samuel’s daughter Clara settled Portuguese Guinea in 1947. There
she and her husband played a prominent role in the anti-colonial movement. Since Guinea-Bissau’s independence,
Carlos, their youngest son, has devoted his life to the agricultural development of this impoverished nation. Cristina
is Carlos daughter.

I had always heard of this accomplished branch of my family. It occurred to me that their lives were an embodiment of modernity’s positivist belief in mobility and progress.

Jewish families are often characterized by patterns of dispersal and migration, patterns that have of late come to characterize the general world population. While my images are specific, my intent is to go beyond the narrow identifications of any particular community. It is the tension between the local and the global that interests me.
The condition of multiplicity, wandering, and exile, as shown in this story, suggests some principles for an alternative foundation of cultural identification, based on shared patterns of experience.

Rue Narutowicza

Untitled (from Cristina’s History – Zgierz), 2005.
#2005092
Silver print, 15 x 18 inches.
Edition of 5.

Bissau, Centre-Ville

Untitled (from Cristina’s History – Bissau), 2003.
#2003092
Silver print, 15 x 18 inches.
Edition of 5.

ArrŽt du tram pour Lodz, anciŽn quartier Juif

Untitled (from Cristina’s History – Zgierz), 2005.
#2005064
Silver print, 15 x 18 inches.
Edition of 5.

Cristina`s History is presented as an installation consisting of three digital projections (Zgierz, Lisbon, Guinea-Bissau). In the rooms concerning Poland and Guinea-Bissau, two projectors are mounted back to back on a central pivot. The images rotate around the room (like the beams of a light house), stretching and bending on the walls as they are distorted by the shape of the room. In the Lisbon room, three projectors project the images on alternate walls. A voice-over narrates the story. Each room`s cycle lasts approximately 15 minutes and consists of about 60 images.

The catalog consists of three chapters (Zgierz, Lisbon, Guinea-Bissau) with the sequence of images, and essays by Jean Francois Chevrier, art historian and independent curator, Jonathan Boyarin, professor of modern Jewish studies, and Carlos Schwarz Da Silva, Levin’s cousin living in Guinea Bissau, director of the NGO Action for Development. Texts in French, English, and Portuguese. Format: 21.5 x 24 cm, 124 pages, 160 tricome images.

Patrick Faigenbaum

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Patrick Faigenbaum, Santulussurgiu, Editions Xavier Barral, 2008.

Santulussurgiu, petit village de Sardaigne de 2500 habitants, abrite le berceau familial d’Angéla Ledda, la compagne du photographe. De 1998 à 2008, Faigenbaum y capture des images qui illustrent précisément sa thématique : explorer la relation entre lieux et personnages dans le temps.

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Nuraghe de Santa Cristina. Paulilatino2008
Tirage en noir et blanc sur papier barytée chrorobromée satiné
91,5 x 117 cm/ 36 x 46 in.

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Peches, prunes et citron. Santulussurgiu, 2005 (1)
C-print 81 x 68 cm/ 32 x 26,7 in.

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Avant le depart de l ardia de San Lussorio. Santulussurgiu, aout 2007.
C-print 111,5 x 89,5 cm/ 44 x 35 in.

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Raisins et figues. Santulussurgiu. 2005
C-print 83 x 66,5 cm/ 32,6 x 26 in.

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Chataignes, grenades et pommes de pin. Santulussurgiu. 2006
C-print 65,5 x 82 cm/ 25,7 x 32 in.

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Remise à bois, Santulussurgiu. 2007
C-print 124,5 x 102 cm/ 49 x 40 in.

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Artichauts. Santulussurgiu, 2005
C-print 68 x 82 cm/ 26 x 32,2 in.

« On dit en français que le portraitiste campe ses personnages. Cela vaut pour la description littéraire comme pour le travail du peintre. L’expression désigne une énergie et une sûreté du trait. Elle contient également l’idée d’une interdépendance de la figure et du lieu. Elle induit une conception plastique (sculpturale) du corps dans l’espace. Faigenbaum campe ses personnages : il leur donne une place et une stature, un sol et un cadre stable.»
« La notion même de personnage évoque un récit, une histoire, un travail de la mémoire. Mais Faigenbaum ne raconte pas, il préfère suggérer ou, à la rigueur, produire une amorce de récit.»
Depuis sa série de portraits de familles italiennes, Patrick Faigenbaum travaille simultanément le noir et blanc et la couleur. Jean-François Chevrier l’explique : « L’alternance du noir et blanc et de la couleur signale la coexistence de deux mondes qui correspondent à deux époques, aujourd’hui simultanées. La couleur est venue après les portraits de famille(s), quand Faigenbaum a commencé à s’intéresser à l’actualité urbaine. Mais le noir et blanc, c’est-à-dire le gris, le jeu des valeurs, persiste. Il est le domaine et la source du clair-obscur, la condition de l’appréhension des corps dans le volume atmosphérique. Il donne à l’air ce poids de cendres qui favorise la modulation de la lumière et le modelé des formes. Plus abstrait que la couleur, il introduit discrètement le fantastique dans l’image vraisemblable, sinon véridique du quotidien.»

Extraits du texte de Jean-François Chevrier, « Patrick Faigenbaum Fotografias, 1973-2006, Centro de Arte Moderna José de Azeredo Perdigão – Fundação Calouste Gulbenkian, Lisbonne

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